10月12日，8组入选江苏文艺“名师带徒”计划的画坛师徒将携精品画作，亮相于新华报业传媒广场全媒体艺术馆举办的“名师带徒”计划美术工作者师徒联展，展览由中共江苏省委宣传部、江苏省文学艺术家联合会、新华报业传媒集团共同主办。对前辈来说，这是青出于蓝的笔墨接力；对晚辈来说，这是羽翼将丰的雏凤清声。这一次，主舞台属于青年一代——他们既师法传统，亦别求新路，既纵览山川形胜，亦擘画时代波澜，江苏画坛的未来图景，正在他们笔下徐徐展开。
赵方方：当代国画仍需博大襟怀
以书入画，是千百年来中国画创作的经典范式，但时至今日，我们有没有可能在纯绘画的层面上打开中国画的更多可能性？我提出了“去笔墨化”“不是水墨的水墨”的创作思路，在排除以书入画的路径的同时，仍保留中国画的书写性（即画面的律动感），这是中国画的精神所在。
这是我对中国画形式的探索。但，一张作品如果仅仅只有形式之美，绘画的深度势必显得单薄，而对自我生活体验、情感、趣味的一味抒写，又沦为小我的表达。关键时刻，幸得赵绪成老师提点：没有博大之襟怀，很难成就伟大之艺术。于是在构思第十三届全国美展参展作品时，我选择了习近平总书记2014年讲话中引用的“各美其美，美人之美，美美与共，天下大同”作为主题，希望传达中国与其他国家之间相互尊重、包容的理念。艺术上，以“不是笔墨的笔墨”进行创新；以中国特有的主观性、隐喻性的色彩系统建构全新的视觉样貌；不预先起稿，让创作过程始终保持一种偶然性的状态，让作品慢慢生长出来，最终由带有文化指向意味的人物、动物和植物交织出一幅和谐、绚烂、崇高的“美美与共”精神图谱。
导师赵绪成：在赵方方身上，我明显感受到当代青年画家对中西绘画营养的兼收并蓄：既接续中国画的传统，表现经过理想过滤了的现实，又借鉴西方现代绘画的平面性语言，不依托光线明暗变化来塑造事物，而是追求其本色、本体。我对赵方方提出几点期望：既不要陷入个人的小情小调，也不要沦为对宏大主题的口号式呼喊，要把主旋律和多样化相结合；把民族自信和开放相结合，在开放、学习中彰显自信。
沈阳：作画须有“我之肺腑”
在我的创作中，无论是大幅的《山雨未眠》系列、《梦拾烟岚》系列，还是小品山水，都特别注重对自身真情实感的抒写，避免流于无病呻吟和摄影式的逼肖自然，这是我对清代画家石涛“画者，借笔墨以写天地万物而陶咏乎我”的自发继承。石涛所谓“一画之法”，就是要把“我之肺腑”和“我之须眉”借助“天地万物”抒发出来，以“陶咏乎我”，它是一种主客体间情景交融的辩证关系。
回首艺途十余载，居太行、登峨眉、行西域、观沧海，每一处大好河山都曾使我萌生出新的感触和情思。通过登山临水、观察体悟，感受山水气息和造化神韵，揣摩丘壑结构和云水开合，注入自身所思所感和心性情怀，作品才能打动观众。艺术上，创新不等于创造美，倘若一味求新求变，而不顾所表现的内容是否贴切、主题是否鲜明，画面就难免形式大于内涵而最终流于空疏。只有遵循审美规律，运用恰当的艺术手法表现历史巨变和人民心声，才能产生最大的社会效应。
导师薛亮：记得初次指导沈阳山水画作品，笔底所见一派清新秀雅的文人气息,但彼时作品构思还不够独特，刻画也不够深入，章法笔墨和色彩语言还有待加强。常言道：读万卷书，行万里路。近年来为了开阔自身眼界、蒙养艺术情思，他跋山涉水、饱游沃看，居太行、登峨眉、行西域、观沧海……闻声寻壑，往复创变，攀历忘苦，踏月乃返，绘画作文夙兴夜寐，笔耕不辍。观其近作，气象渐趋宏大，造型设色愈加精微，初步达到虚实有度、墨韵色彰的效果。昔日苏轼有言“兹游奇绝冠平生”，坎坷逆境中的人尚有如此胸襟，今日生于繁荣盛世的青年画者，更应胸怀丘壑，以笔墨吞吐天地万物、壮丽山河。
韩非：创新前先回归传统
韩非：如何使工笔画在当下重新激活，并且具有当代性？“当代”对我的诱惑是显而易见的，我曾在图式拼接、色彩结构、画面布局等方面进行所谓当代性的探索，但都止于运用奇巧的图式结构、近于西化的色彩布局来迎合时代的审美，这并不是真正的当代性。
追求当代性，需要我们来一次更为彻底的回归，回到格物致知、对自然物象妙理的探求。工笔画中有代表性的“梅兰竹菊”启示我们，工笔画的精髓在于以纤毫工夫逼近真实，在此基础上追求自然之物与生命情感相关之生气。工笔画的变革，则更要在传统与当代之间寻找到契合点。当下，不管是强调新锐面貌的工笔，还是观念先行的新工笔，当原先对工笔画的界定已经承载不了新内容，打破才会更能包容工笔画的生长，画家的想法才将会被自由地打开，这也许是通往当代性的一条路径。
导师高云：韩非是一位爱动脑筋的画家，我对他在艺术语言上锐意创新的精神尤为激赏。他试图将当代绘画的构成元素和传统工笔花鸟画相结合，强调绘画的形式感、新奇感，并将自然物象锤炼为经由“我”过滤后的主观化图景，为花鸟画注入新活力。未来，希望韩非能将创作与时代相结合，形成带有鲜明时代印记的个人风格——绘画的时代性未必局限于描绘工农兵大众题材，艺术语言的开拓创新、画卷通体流动的气韵都可以是时代性的写照。
马帅：绘画语言也要随时代
对艺术创作来说，深入生活不是一句空话，生活的体验会反馈于创作之中，既推动创作题材的拓展，也促进绘画语言的丰富。当我遇到自己熟悉或者感兴趣的题材时，就会想去深入了解，通过亲身体验，抓住其本质内核。另一方面，绘画不是简单的画面转换，思考也非常重要，所谓画由心生，对对象的表现须经过主体的过滤，创作者的内心世界，包括他对世界和生活的认识理解，会自然而然地通过载体诉诸笔端，这决定了作品境界的高下。
此次参展的作品《建设者》，表现的是路边随处可见的劳动者，灵感来自我在南京艺术学院附近的地铁施工现场捕捉到的画面，这忙碌的身影使我感动：透过他们身着工装、手扛铁锹的姿态，我看到的是普普通通的人民一分子投身祖国建设的鲜活力量。石涛说“笔墨当随时代”，在当下语境中，这一命题的践行不仅需要表现对象随着时代前进而推陈出新，也要求拓展表现语言，将传统的绘画语言转换为表达新时代创作者情感与观念的语言，这是我的探索方向所在。
导师周京新：马帅创作的特点是取材于他耳闻目见的生活，且和自身的艺术语言达成了较好的匹配度。我常对马帅说：你不要左顾右盼看别人在画什么，眼前就有足以打动你的东西，你要用你真诚的眼睛、敏感的心灵，凝视、体悟眼前的生活，从中捕捉到值得为之耗费心血的东西。比画什么更重要的是艺术态度。我宁愿他“呆”一点、学生气一点，也不愿他灵得偏“油”；力勉他保持清醒、自律的生活状态——伟大艺术不会出自一个惫懒随意的创作者之手，勤奋、精诚才是艺术家的正道，才对得起“名师带徒”这样的平台。
叶蓓蓓：小众画种≠小品化
我初识色粉是由于多年前卢卫星老师的指引，他本人就是凭借色粉画《渔村》斩获第九届全国美展金奖。他告诉我：色粉与油画虽媒介不同，但同样具备色彩、构图、光影等要素，艺术表现力并不亚于油画。正是这番话坚定了我在这一小众画种上奋力拓耕的信念。
小众画种并不意味着小品化，作品视野是否宏阔，能否超越照片式写生和实物表述的层面，关键是创作者能否在扎根生活的基础上，赋予画面一定的意境和内涵。我这次入选全国美展的色粉画《欣欣向荣》，就是通过选取贵州铜仁寨英古镇集市售猪的镜头，对有代表性的人物形象、动作及场景进行提取、描绘，试图唤回人们对集市的记忆：集市的意义不止于贸易，一买一卖间，尽是传统生活方式和人与人之间和谐融洽关系的流露；当画家藏身于人流之中，会窥见人们在这个浓缩了的空间中的一言一语、一情一愫，真实、自然而精彩。
导师卢卫星：用轻薄的笔触呈现活泼的画面效果，是色粉画的一大特色，毕业于俄罗斯圣彼得堡列宾美术学院的叶蓓蓓，在探索色粉画有别于其他画种的表现性方面用力颇深，值得称许。作为导师，我不希望过多地为她设下条条框框，而是希望她自由探索，同时发挥留学俄国期间吸收的国外营养，如果能够在“画自己想画的”和“画人民喜闻乐见”之间寻找到结合点，那就更好了！
黄戈：国画变法要有源、有道、有理
作为一个痴迷山水画的后学，我一直希冀能够在激活传统元素、坚持笔墨抒写性情的同时，又能在图式和技巧上顺应时代之势、社会之需、审美之变，譬如傅抱石及新金陵画派的诸位前辈，他们对“变者有胆，不变者有识”的创作尺度的把握，以及平衡、圆融、机巧的处理方式皆令我钦叹，导师朱道平先生同样取精用弘，以实践来礼敬先贤。
近年来，我创作了一系列西藏主题山水，如此次参展的《碧空澄净无凡尘》，尝试在保留传统笔墨的沉厚气息的同时，打破浅绛、青绿等传统山水色彩的程式套路，赋予画面鲜活明丽的色调，力图贴近古人“外师造化，中得心源”的那种状态。在我看来，中国画走到当下必须变，关键是如何变，变到什么程度才是经得起时间检验的好作品。有人说“无法乃为至法”，但我认为首先要有法，否则“无法无天”；创新之法因人而异、因时而变，要取法有源、得法有道、变法有理。不可否认，中国画品评标准已经不再盲目信奉“六法精论、万古不移”，但中国画的笔精墨妙、气韵生动、以形写神、写意精神等，仍是其核心精神。究竟如何在传统与时代之间擦出一点火花，画出一抹亮色，这是当代青年山水画家的使命。
导师朱道平：黄戈从小喜爱中国画，是天津美院的毕业生，曾师从津门名家多年，作品中南腔北调融合，画面柔和而自带风骨，尤在色彩上精於研判，用笔运墨中有法度、有节律，刻意表达一种山川华美润泽的煌煌之态，使山水画更具时代的气息和气派，已然在画风上初创一体。
沈彬斌：什么样的才是自己的？
记忆很神奇，有些东西你会忘记得只剩下当时的情绪感受，而不记得具体的细节，我尝试捕捉的正是这类感觉。感觉由人和事物产生，却可以脱离人和事物而孤立存在，并被画笔所描摹、勾勒、留影，唤回欣赏者对逝去往昔的追忆，和心中一抹温暖明媚的感觉，这正是创作《你们》系列的思路。该系列是自己研究生时代切身生活的产物，也是对“什么样的才是自己的”这一创作道路问题的思索和初步回答。这系列作品都是只表现“你们”，即我昔日的同学本身，而擦除一切外在的环境背景，也不运用传统构图，追求“你们”和欣赏者“我”之间更纯粹、更直抵心灵的相逢，也算是对自己风格的一次摸索。
我近期的《共享时代》系列是由共享单车遍布大街小巷，而觉察到我们已经处于共享时代这个前所未有的历史时刻，处理画面时我放弃了传统的厚涂法，采用薄涂法，并添加了很多透明媒介，使笔触感更突出，色彩更明亮，所以画面效果既有油画的感觉，又有水彩的味道。什么样的才是自己的？如何画出自己的风格？在从学院派的写生绘画方式中试图走出的过程中，不可避免地会遇到这个问题，对我来说，探索之路将很长、很长。
陆庆龙：沈彬斌的绘画反映出90后年轻画家的艺术面貌：他们拥有学院派的写实功底，对于当下社会和自然风景有强烈的观照与表达欲望，绘画自然、纯粹且不失青春活力。观察他的绘画不难发现，他的油画作品在图像形式上较传统油画有所不同，注重对现代绘画语言的探索，往往运用大片的空白来凸显中心人物，效果清新而独特，体现出对现代艺术表现形式的借鉴与追求。
郑家闽：昆曲+漆画=？
传统漆画一般是作为漆器的附属装饰而存在，随着时代发展，脱胎于器的它成为一门独立的画种。大漆具有强大的包容性，可以和各式材料结合，在保持漆语言的基础上生出不同的观念表达，这是我痴迷于漆画的原因。近期个人艺术探索的主要方向在于，如何实现漆画从二维的时间叙事向三维的空间叙事的转变，从只能表现某一瞬间，转为带入更多的情感和故事。我爱好昆曲，便琢磨：如何以漆画形式，在园林背景中“复活”昆曲故事，从而转换古老的漆语言，赋予漆画更广阔的视域。
譬如，此次参展的《牡丹亭》系列之《草藉无眠》试图诠释的是《寻梦》一折，“游园惊梦”后的杜丽娘重回花园，在牡丹亭畔回忆与柳梦梅的梦中缠绵。我尝试将假山石、窗棂、亭子、梅枝等不同时空下的意象组合在一起，画面线条或单线伸展，或多线并行，或围合，或断裂，将抽象的时间用线物象化。回过头来看个人近几年的创作，都是以传统文化为主，并尽力打破传统的表现形式，避免“同则不继”。对我来说，以漆画来弘扬传统文化或许有些遥远，我能做的，就是守住这份喜爱漆画的初心。
导师李永清：郑家闽是当代漆画艺术的青年新秀。他善于把现代艺术、中国传统绘画和独特的漆画艺术特性加以融通，呈现出独特的人文意蕴和若干美学倾向：有些以几何化的视觉元素经营画面的空间分割，构成整体的节律和抽象之美；有些以景物和人物的对应和虚实变化，呈现出空灵妙曼的意境及自由的流动感；有些则以现实视像与戏剧感的熔合，形成写意与表现相兼容的艺术意象和情调，努力寻求现代漆画语言的纯净感和丰富的个性内涵。
交汇点记者 冯圆芳
